Γράφει η Μαίρη Κονταρούδη-Μπαζιώνη, Οικονομολόγος – Επικοινωνιολόγος
Με αφορμή την παράταση επ’ αόριστον, από την Εθνική Πινακοθήκη στο Λονδίνο της μεγάλης αναδρομής στην Artemisia Gentileschi, λόγω κρίσης κοροναϊού, είναι μία καλή στιγμή να ανατρέξουμε σε πληροφορίες και αφιερώματα για τη μεγάλη αυτή καλλιτέχνη.
Η Artemisia Gentileschi, για την εποχή που έζησε, άφησε ένα μεγάλο αποτύπωμα όχι μόνο για την καλλιτεχνική πορεία της αλλά και για το σημαντικό ρόλο, πρωτοπόρο θα έλεγα, που έπαιξε στο πολύ μετέπειτα επονομαζόμενο φεμινιστικό κίνημα.
Παρενθετικά αναφέρεται ότι ο φεμινισμός ως κοινωνικό κίνημα έκανε την εμφάνιση του στην τέχνη στα τέλη του 1960, μαζί με άλλες σημαντικές κοινωνικοπολιτικές αλλαγές - κυρίως στις Η.Π.Α., όπως ήταν το κίνημα για τα Πολιτικά Δικαιώματα και η άνοδος της Νέας Αριστεράς.
Οι πρώτες υποστηρίκτριες του φεμινισμού στην τέχνη, οραματίστηκαν μια επανάσταση στις κοινωνικές δομές, στοχεύοντας σε ένα νέο πλαίσιο στο οποίο ο όρος «οικουμενικότητα» ήταν ο θεμέλιος λίθος της κίνησης. Η Artemisia Gentileschi γεννημένη στη Ρώμη (1593 – 1656) λόγω προσωπικών εμπειριών (βιασμού καθώς και σχετκά επώδυνα δικαστήρια), ανέπτυξε μέσω της τέχνης της και όχι μόνο, αυτή την τάση πολύ νωρίτερα από τα συλλογικά κινήματα.
Η Χάριετ Χόσμερ επίσης (Harriet Hosmer, 1830 – 1908) και αρκετά αργότερα, είχε μια φεμινιστική προσέγγιση στα νεοκλασικά μαρμάρινα γλυπτά της, που παρουσίαζαν ισχυρές γυναίκες. Η Κινέζα Χε Σιανγκνίνγκ (He Xiangning, (1878 – 1972) ως νεαρή, χρησιμοποίησε την τέχνη της για να δώσει καύσιμα στο σκοπό της, την υποστήριξη των γυναικών, καθώς και άλλες οι οποίες δεν είναι σκόπιμo να αναφερθούν στο παρόν άρθρο.
Σε όλες τις εποχές, ακόμα και σήμερα, που η γυναίκα έχει κατακτήσει ύπατα αξιώματα, πάντα έχει την ανάγκη να αποδείξει, ότι μπορεί να κατορθώσει πράγματα σαν άνδρας και πολύ περισσότερα. Ο άνδρας, χωρίς ίχνος προκατάληψης γιατί έτσι είναι, δεν έχει να αποδείξει τίποτα περισσότερο από το ότι είναι καλός. Η διαφορά υφίσταται, αλλά συνεχώς τα γυναικεία κινήματα το παλεύουν, και καλά κάνουν.
Όσα προανέφερα είναι στοιχεία έρευνας διαφορετικών σημείων και με προσθήκη δικών μου πεποιθήσεων και απόψεων. Το αφιέρωμα στην Artemisia Gentileschi είναι από το artnews.com όπως αναφέρεται και στο τέλος του άρθρου αυτού που ακολουθεί.
Πίσω στο 1916, ο σεβαστός μελετητής του Caravaggio, Roberto Longhi πρόβαλε σε ένα μεγάλο τμήμα του κόσμου της τέχνης τους Orazio και Artemisia Gentileschi, δύο ζωγράφους (ένας πατέρας και η κόρη του, αντίστοιχα) οι οποίοι καταξιώθηκαν τελευταία για το έργο τους στην Ιταλία του 16ου και 17ου αιώνα. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς, ότι λίγο περισσότερο από 100 χρόνια μετά, ήρθε η εποχή που δεν ήταν άγνωστοι. Από τότε, οι Gentileschis αποτέλεσαν αντικείμενο εκθέσεων blockbuster, και η Artemisia ειδικότερα αποδείχθηκε σημαντική για ιστορικούς και μυθιστοριογράφους - με την Linda Nochlin και την Susan Vreeland που είναι μεταξύ εκείνων που έγραψαν εκτεταμένες φεμινιστικές πραγματείες γι 'αυτήν.
Πολλοί στο παρελθόν, κατηγόρησαν ειδικά την Artemisia Gentileschi - η οποία κατηγόρησε δημοσίως τον καλλιτέχνη Agostino Tassi ότι την βίασε και η κατηγορία αυτή την ακολούθησε ακόμη και μετά από βασανιστική διάρκεια της δίκης του - όμως αποτέλεσε παράδειγμα μιας γυναίκας καλλιτέχνη, που αγωνίστηκε ρητά ενάντια στην πατριαρχική καταπίεση. Πολλοί πλέον την αναγνωρίζουν ως έναν από τους καλύτερους καλλιτέχνες της εποχής της, εκεί με τους Caravaggio και Annibale Carracci. Ακόμα άλλοι την έχουν δει ως το πιθανό νέο αστέρι της αγοράς, με το ρεκόρ της δημοπρασίας να ξαναρχίζει στο Παρίσι το 2019 μετά από μια ζωγραφική της πουλήθηκε για 6,1 εκατομμύρια δολάρια.
Για όλα αυτά, είναι μια καλή στιγμή, για μια μεγάλη αναδρομή στην Gentileschi όπως αυτή που είχε προγραμματίσει να ανοίξει η Εθνική Πινακοθήκη στο Λονδίνο προτού η κρίση του κοροναϊού αναγκάσει το μουσείο να καθυστερήσει την παράσταση επ 'αόριστον. Για να δείτε την έκθεση με άλλα μέσα, παρακάτω είναι ένας οδηγός για μερικά από τα πιο διάσημα έργα που περιλαμβάνονται.
Artemisia Gentileschi, Η Susanna και οι γέροι, 1610.
Η Susanna και οι γέροι
Αυτός ο πίνακας απεικονίζει μια βιβλική σκηνή στην οποία η Susanna εντοπίζεται ενώ λούζεται από δύο γέρους που της λένε ότι πρέπει να προσφέρει σεξουαλικές απολαύσεις - αλλιώς θα πουν ψέματα ότι την είδαν με έναν νεαρό άνδρα εραστή. Αρνείται τις προσκλήσεις τους και επιμένουν στις απειλές τους εκβιασμού. Μέσα από όλα αυτά, η Susanna παραμένει πιστή στις πεποιθήσεις της, σε ένδειξη της αγνότητας της. Η Mary Garrard, η οποία έγραψε μία από τις πρώτες μονογραφίες για την Gentileschi, ισχυρίστηκε ότι αυτό το έργο έχει σκοπό να προσφέρει μια συγκεκριμένη γυναικεία άποψη στην αφήγηση, επισημαίνοντας τον τρόπο με τον οποίο οι άντρες εμφανίζονται συγκεντρωμένοι στην κορυφή, σαν να συνωμοτούν .
Artemisia Gentileschi, Η Ιουδήθ αποκεφαλίζει τον Ολοφέρνη, 1613–14.
Ο αποκεφαλισμός του Ολοφέρνη απο την ΙουδήθJ (περ. 1613–14)
Η πιο διάσημη ζωγραφική της Gentileschi (τώρα στη συλλογή των Γκαλερί Uffizi στη Φλωρεντία) υπήρξε εδώ και καιρό ένα σημείο ίντριγκας. Κάποιοι μελετητές φεμινιστές, ισχυρίστηκαν ότι ο πίνακας, ο οποίος απεικονίζει την φιγούρα της Παλαιάς Διαθήκης Ιουδήθ που σκότωσε έναν Ασσύριο κυβερνήτη Ολοφέρνη που είχε επιτεθεί σε Εβραίους, μπορεί να θεωρηθεί στο πλαίσιο της ζωής της Gentileschi - ως μέσο εκδίκησης εναντίον του Agostino Tassi, ο οποίος της επιτέθηκε σεξουαλικά χρόνια πριν από την δημιουργία του πίνακα. Όταν το κίνημα MeToo πραγματοποιήθηκε πρόσφατα, ο πίνακας της Gentileschi έγινε σύμβολο για ορισμένους που το ανέφεραν ως αλληλεγγύη.
Artemisia Gentileschi, Judith and Her Maidservant, 1615–17
Η Judith και η υπηρέτρια της (περίπου 1615–17)
Σε αυτό τον πίνακα, απεικονίζει τις στιγμές που η Ιουδήθ αποκεφαλίζει τον Ολοφέρνη. Η Gentileschi προσφέρει μια τρυφερή εικόνα της γυναικείας κοινωνίας, με την Ιουδήθ και την υπηρέτρια της να απεικονίζοται τόσο κοντά, σε ένα περιορισμέο πλαίσιο του πίνακα. (Αν και οι Garrard και ο μελετητής R. Ward Bissell πρότεινε ότι ο πίνακας θα μπορούσε αρχικά να ήταν μεγαλύτερος και σε κάποιο σημείο να μειωθεί.) Συνήθως, οι άνδρες συνάδελφοι της Gentileschi - μεταξύ αυτών και ο Sandro Botticelli - προσέφεραν πιο δυναμικούς πίνακες με τις γυναίκες να εγκαταλείπουν το στρατόπεδο του Ολοφέρνη. Σε αντίθεση, η ήρεμη απεικόνιση της Gentileschi για το τι έχει συμβεί λίγο πριν, κάνει τη ζωγραφική της να ξεχωρίζει.
Artemisia Gentileschi, αυτοπροσωπογραφία παίζοντας λαούτο, 1615–18.
Αυτοπροσωπογραφία ως παίκτης λαούτου (1615–18)
Όταν αυτό το έργο ήρθε για δημοπρασία στο Sotheby's στο Λονδίνο το 1998, ήταν σχεδόν άγνωστο. Τώρα, ωστόσο, είναι ένα από τα εμβληματικά έργα της Gentileschi (και ανήκει στο Μουσείο Τέχνης Wadsworth Atheneum στο Hartford του Κονέκτικατ, το οποίο το πωλήθηκε το 2014 για περισσότερα από 3 εκατομμύρια δολάρια). Οι εικόνες ενός ατόμου που έπαιζε ένα μουσικό όργανο ήταν συνηθισμένες εκείνη την εποχή - ο Caravaggio και πολλοί άλλοι δημιούργησαν παρόμοιες εικόνες - και ορισμένοι μελετητές έχουν προτείνει ότι, από μόνη της, η Gentileschi παρουσιάζει μια ιδιάζουσα εικόνα του εαυτό της ως το πικάντικο είδος που συνήθως παρουσιάζεται σε τέτοιους πίνακες.
Artemisia Gentileschi, Η Ιουδήθ και η υπηρέτριά της. 1623–25.
Η Ιουδήθ και η υπηρέτρια της (περ. 1623–25)
Ακόμα μια άλλη σκηνή που σχετίζεται με την αφήγηση του Ιουδήθ αποκεφαλίζοντας τον Ολοφέρνη, αυτός ο πίνακας βασίζεται σε δραματικά εφέ φωτισμού για να δημιουργήσει μια σκηνή στην οποία η Ιουδήθ εμφανίζεται σαν πολεμιστής. Οι μελετητές έχουν επισημάνει τις σχεδόν ορατές στρατιωτικές μπότες της και το μεταλλικό γάντι του Ολοφέρνη σε ένα τραπέζι ως ένδειξη ότι είναι πιο δυναμική πρωταγωνίστρια από το συνηθισμένο. Το κερί, που ρίχνει ένα δραματικό φως στο πρόσωπό της, μπορεί να ήταν μια προσθήκη που έγινε σχετικά αργά στη διαδικασία δημιουργίας του πίνακα.
Artemisia Gentileschi, Αυτοπροσωπογραφία ως μία αλληγορική εικόνα (La Pittura). 1638–39.
Αυτοπροσωπογραφία ως αλληγορία της ζωγραφικής (La Pittura), 1638–39
Τα μόνα πορτρέτα με αρσενικούς καλλιτέχνες να ζωγραφίζουν έχουν διαπεράσει την ιστορία της τέχνης και ορισμένοι έχουν προτείνει ότι το έργο αυτό εν μέρει τουλάχιστον, εννοούσε την ανατροπή αυτού του τρόπου. Η ασυνήθιστη στάση της - που δεν βλέπει τον θεατή - αρχικά προκάλεσε κάποιους να αναρωτιούνται αν ήταν ακόμη και αυτοπροσωπογραφία. Αυτές τις μέρες, ωστόσο, θεωρείται ευρέως μια έντονη απόδοση του καλλιτέχνη στο χώρο εργασίας.
πηγή : artnews.com / επιμέλεια - μετάφραση : artportal.gr
